Ken Lum: The Role and Purpose of Art

Episode Summary

In this conversation, we had the pleasure of speaking with a renowned Canadian artist Ken Lum about his contribution to the Vancouver School, reflections on the artmaking in Canada, working and living in the United States in the Trump era, and thinking about the public role of art.

Episode Notes

In this conversation, we had the pleasure of speaking with a renowned Canadian artist Ken Lum about his contribution to the Vancouver School, reflections on the artmaking in Canada, working and living in the United States in the Trump era, and thinking about the public role of art.


Dans cette conversation, nous avons eu le plaisir de parler avec un artiste canadien de renom, Ken Lum, de sa contribution à l'école de Vancouver, de ses réflexions sur la création artistique au Canada, de son travail et de sa vie aux États-Unis à l'ère Trump, et de sa réflexion sur le rôle public de l'art.


Ken Lum

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In/Tension, presented by The Power Plant Contemporary Gallery, is made possible with the support of Canada Council for the Arts. We thank the diverse mix of Canadian contemporary artists for sharing more about their lives and work. This episode was hosted and created by Neil Price in collaboration with The Power Plant Contemporary Art Gallery team - Beverly Cheng, Daria Sposobna, and Zachary Scola-Allison. This show was produced by the team at editaudio. This episode was edited, mixed, and mastered by Ali Sirois. Our Executive Producer is Steph Colbourn, and our Production Manager is Kathleen Speckert. Show music is by NoKliche and Mopao Mumu. 


In/Tension, présenté par la Power Plant Contemporary Art Gallery, est rendu possible grâce au soutien du Conseil des Arts du Canada. Nous remercions les divers artistes contemporains canadiens de nous en dire plus sur leur vie et leur travail. Cet épisode a été animé et créé par Neil Price en collaboration avec l'équipe de la galerie d'art contemporain Power Plant, Beverly Cheng, Daria Sposobna et Zachary Scola-Allison. Cette émission a été produite par l'équipe d'Edit Audio. Cet épisode a été édité, mixé et masterisé par Ali Sirois. Notre productrice exécutive est Steph Colbourn, et notre directrice de production est Kathleen Speckert. La musique de l'émission est signée NoKliche et Mopao Mumu.

Episode Transcription

Ken Lum: I do think art is a special domain of practice and it's not easy. You know, it's fun. I do art because I think it's a more fun world than most worlds, but it is, it does require a lot of dedication, hard work, and also learning how to Pick yourself up and playing the long game. 

Neil Price: Welcome to In/TenSion, a podcast presented by the Power Plant Contemporary Art Gallery, where we speak with artists about their art and practice. One of the great things about art is its universality. Art can be almost anything as long as it contains thought, heart, creativity, and has something to say about the human condition. Renowned Canadian artist Ken Lum exemplifies an artist who has had a boundless relationship with art. As a scholar, artist, curator, writer, and publisher, Lum's career spans several decades. Born and raised in Vancouver to a Chinese immigrant family, he's often associated with the Vancouver School of Art, a group of conceptual artists who emerged in the 1970s. Ken Lum is known for his conceptual and representational art in a number of media, including painting, sculpture, and photography. A long time professor, he is currently the Chair of Fine Arts at the University of Pennsylvania's School of Design in Philadelphia. He was formerly a Professor of Art at the University of British Columbia, where he was also the head of the Graduate Studio Program. A co-founder and founding editor of the Yushu Journal of Contemporary Chinese Art, Ken is a prolific writer and has numerous published articles, catalog essays, and juried papers. Ken, welcome to the podcast. 

Ken Lum: Pleasure to be here. Nice seeing you again, Neil. 

Neil Price: So Ken, I know you read a lot, you're a big-time reader, and I'm also aware that often what you read will influence what happens in your studio and in your work in general. So just to kick things off, what have you been reading?

Ken Lum: Well, you know, I'm a chair of a department and so I've been reading a lot of different student essays. I gave a couple of lectures in Shanghai recently. I had to read about Republican art in China. But in terms of my Own pleasure. I don't, I, I take pleasure in reading for my own required courses and things, but it's true. I used to read a lot of novels, for example. . I haven't read a novel in ages. I mean, I reread a, not reread, I read a book by Ed Lee Wong, but that was related to contract laborers, Chinese contract laborers in the 19th century. 

Neil Price: Right. 

Ken Lum: And that's related to a project I was working on. So, I think the question should be like, what do you mean for pleasure? And I would have a hard time with that. 

Neil Price: You reference books quite a bit in your writing and you also reference films. So I thought we would start off there. What was inspiring you these days or what was intriguing you in terms of what you're reading, but it sounds like you're reading a lot connected to your various projects.

Ken Lum: Yeah. It's kind of been coming a bit of a problem that way, but I'm really inspired by a lot of film. I have to say, I kind of took a hiatus from watching films for a number of years and for whatever reasons it wasn't the program. But I've seen quite a few really great films, you know, I saw 1001 which I thought was a fantastic film about-- about Harlem during, just at the beginning stages of gentrification. And actually an ex-student, a recent MFA graduate at Penn is a cinematographer. So.

Neil Price: Oh, nice. Well, Ken, you, in my opinion, have one of the most remarkable and enviable careers in art. You're an artist, of course, scholar, writer. Curator, publisher, university administrator. I mean, I could go on. And these roles appear to keep you engaged across multiple entry points to art. And I'm wondering, how did you go about shaping such a diverse and expansive career? I could say eclectic, but I'll go with expensive. 

Ken Lum: Right. I don't think it's eclectic personally, because I think it, they all have to do with different aspects or different dimensions of art and culture. I include "and culture" there because I'm not only interested in how art operates within the terms of the art system.

Neil Price: Right. 

Ken Lum: Or how art is implicated within the larger cultural sphere, although that interests me. But I'm interested in culture writ large, like the culture that's produced by ordinary people. Culture that most people wouldn't even deem as... Is worthy of the word culture, but I think it's one of the great things about cultural studies was that any form of expression can be deemed a part of culture. So it wasn't some program that I deliberated upon, right? It was more like, and I've said this in many interviews that it was provoked by dissatisfaction, the deep dissatisfaction of my part regarding what I thought were the limits of art. I always ask myself this question about what more is there to being an artist? And when I say being an artist, it's not separate from... A concurrent question of what does it also mean to be a citizen in this world on this planet at this time, and what are the responsibilities of a citizen of the world? And so, of course, that required being curious about the other worlds, the other geographical worlds, which, you know, the art world is highly circumscribed, even today, right? It's much more globalized, but even today it's highly circumscribed. But certainly, when I was-- 30 years ago, it was very European or North American, right? With some matter, maybe a little bit of Japan, a little bit of South America and so on. But I was genuinely interested in these places because I thought, "Well, wait a second. What, why is everyone ignoring Africa? I mean, it's a billion people. Why...?" It was just these huge questions. I thought it didn't make any sense. I guess I was the type of person that went, you know, I'm going to go there and I'm going to try to see how I can develop projects on a sustained basis, whereby I can actually stay there. And I guess I ended up creating the conditions whereby I became project manager for an exhibition on, you know, decolonization, the independence movement in Africa. And then I was... you know, I did a show on China, 1920s and 30s after the May 1919 revolution and things like that. And then I was curator at Sharjah. I was just kind of interested in all these different places. Not simply because I wanted just to go there, but I was, because it's a lot of work to do these projects.

Neil Price: Yes, of course. 

Ken Lum: It wasn't like, you know, you had to write, I had to write 10,000 word essay. Yeah. Things like that. 

Neil Price: You mentioned 30 years ago, and I want to take you back to Vancouver. You're born and raised there, you're first-generation Chinese immigrants, and you've been mentioned alongside artists like Jeff Wall, Roy Arden, Ian Wallace, Stan Douglas, Vicky Alexander, I could go on, who are collectively referred to as belonging to the so called Vancouver School of Conceptual Art or Conceptual Photography. Could you Talk a little bit about what shaped that particular art scene in Vancouver and its sort of main contributions to art in Canada and beyond. What was going on there? 

Ken Lum: Well, first of all, I should say that there's been many generations of artists that have emerged from Vancouver, like Brian Young and, Jeffrey Farmer and Stephen Shearer. So a lot of artists have come out of there and when people ask the question you've asked, there's a suggestion, which I think is totally understandable, how did such a scene emerge from such a remote place, right? But I think what created the conditions for that was that Vancouver, despite the fact that it was like a kind of, you know, backwater for many decades and a refuge for hippies, was also a place where intellectuals from, you know, draft dodgers in the Vietnam War settled. Plus even the idea of it being a kind of terminus. City was there's something freeing and liberating about that. I mean, there's something isolating, but it's also something Quite freeing about that. And I think we had people like Alvin Balkin We had who's a professor at UBC and they were really interested in bringing in, you know knowledge from Capitals. I mean, I had a professor, Stanley Cooperman who's kind of a great poet actually and writer. He was from New York And so he escapes to Vancouver. And Ernest Becker, who wrote a great book on death, actually, a great philosophical book. He was there for many years. Kaja Silverman, a great art historian was there for many years. And even the Bay Area poets, beat poets, like Allen Ginsberg and so on, they were coming up constantly, right? So, you had that kind of fermentation, you might say, taking place. But you also had, like, people like, well, Jeff, I guess, and also Ian Wallace, who's kind of underestimated in terms of the influence on shaping the pedagogical program at the then named Vancouver School of Art, now Emily Carr University. And they would bring in all kinds of, especially in, international artists, international critics. Like Gossuth, Martha Rossler, you name it, they were coming every week. It was also a different art world then too, because, you know, I remember I was assigned to contact Joseph Gossuth to see, find out his interest in coming to speak to students. He answers and I said, but we can't pay very much. We can only pay maybe a couple hundred Canadian and we'll, but we'll try to get up to that 400 or something. He says, great. Right. And I'm thinking that would never happen today, but it was all those conditions that created this kind of intellectual curiosity. We had these reading groups, you might say. Yeah. We had exchanges with the Kootenay School of Writing, for example, there was a subset of people really interested in avant-garde film, right. And there was also the Ace Gallery, which was, I remember seeing Andy Warhol opening there, and Andy Warhol actually attended.

Neil Price: Wow. 

Ken Lum: There's just a lot of little things that is, that which was quite amazing because the art gallery at that time was tiny. Right? 

Neil Price: Right.

Ken Lum: And there's no other real museum and, but you had certain things that just created the right conditions for I've seen to emerge. Yeah. 

Neil Price: That's amazing. I want to turn to your book, Everything is Relevant which is a favorite of mine. And I want to spend some time on two pieces or two, two essays. So in an essay titled "Canadian cultural policy: a problem of metaphysics," you sort of present a comprehensive review of Canada's arts and culture apparatus where you look at its history, the strengths that come along with how it evolved the challenges for sure. And in that essay you outline how Canadian arts and culture policy developed largely in response to this fear, perceived or otherwise of the Canadian arts being subsumed, it seems by the U.S. and its massive cultural production. And I wonder if your views, given that you wrote that piece, I think 23, 24 years ago... 

Ken Lum: 25 years ago. 

Neil Price: 25 years ago. Yeah. I'm wondering when you look at it now, in terms of funding, in terms of, you know, policy, government initiatives around art has anything changed or are you looking sort of at the same system? What's your thought on that policy today? 

Ken Lum: Ambivalence, I guess. No I think it was supporting the arts, I think is. It's important, right? But I also thought the placing all responsibility for evaluating art, curating art, generating the next generation of art, administrating art on artists, I thought, was also flawed. Because I, one of the things that I know that even then was that There, you know, there was a lot of artists in Canada, lots of artists run spaces and lots of venues for, and opportunities for young artists to learn video, all kinds of things and be introduced to art. And that's good. But there was very little in terms of supporting or generating a curatorial class, an art critical class. There was very little in terms of really a dynamic Canadian art history programs in universities, it was all quite dry and it ended like 30 years even prior to what I wrote. And in fact, I mentioned that it was like, like the last book up until that point that was relevant, at least, that I thought was relevant was Dennis Reed's book, Canadian Painting, right? 

Neil Price: So 1973, I think he goes up to or something. 

Ken Lum: Yeah, maybe. Right. And so I thought there was something wrong with that. And I remember when I went to I started exhibiting and I gave a talk to Dusseldorf Art Academy and I met all these young artists named Thomas Ruff and Thomas Struess and they were, who became really well known.

Neil Price: Good names. 

Ken Lum: Yeah. I remember Thomas Ruff said, let's trade some catalogs and so on. And so I said, sure, I brought whatever I have on me and they were mostly like little brochures. And then he would have like these beautifully bound books, right? Six or seven. Wow, did you have, these are museum shows? He says no, these are just, you know, German artist run spaces. Right? And I, but I said, why? But you've got, like, these essays and so on. He says, yeah, they, the government tries to support intellectual writers and think philosophically about the importance of art and Right? That, I thought was really a big lapse in terms of the Canadian art scene. So I've always supported it, but I also thought there was Something important missing about it, and that it needed to address that as an issue.

Neil Price: Yeah, let's stay with the book for a second. The other section that I really love is your The London Art Diaries, 1999 2000. I guess in that time you were traveling, and so, You present these discursive, deeply insightful accounts of your travels, you know, random thoughts, encounters with different people related to art, and you have this one entry where you sort of bemoan a situation where art schools, and I know you're a chair in an art department, so I'm really interested in your take on this. Art schools seem to be producing artists who are capable of, you know, bringing forward or creating technically strong and beautiful work, but it's art that lacks what you call emotional and intellectual finish. Given your ongoing involvement in an art institution, art education. I'm curious about your current thoughts. Again, you wrote these pieces quite some time ago. So I'm wondering where you're at now with the question of art schools and the kinds of artists that they seem to produce. And I guess you would speak from the U. S. context. 

Ken Lum: You know, I was obviously painting things with a very broad stroke, right? But I do think that in, at least in the world of art, there has been a renaissance in terms of the Expansion of beautiful voices and new constituents of artists have started to participate in the art system, you know, for reasons of globalized. And the Biennale form, which has proliferated since the last 20, 25 years has really been an outstanding vehicle for the, you know, expression of these voices. So that, that followed my London art period, right. Having said that I do think by and large, most art schools, most, right, not all, because if you start counting how many art schools are, there are lots. We only, we always think about certain art schools, right? But there's hundreds and hundreds of them. And most of them are not very good. 

Neil Price: Why do you say that? 

Ken Lum: Because I think most of them, at least from my experience, most of them don't allow the student, right? The young artists to really discover themselves. A lot of it is like, you know, I'm more important. I'm a professor. You're going to follow my vision of art, right? I can give you an example whereby, you know, we get a lot of applicants at Penn, and we would get like an applicant where, you know, the work, at first glance at the images of the work, you'd say, this doesn't look very good because the image is very poor quality, it's not lit properly, it's not, you know, which is, of course, is not a good thing, right? But at the same time, I always thought, wait a second, this person is going to... This college, which is obscure in some village, basically, in the middle of nowhere. And maybe there's not proper equipment, maybe they're not taught how important it is to present. But you know, the statement is actually quite interesting. And even the work, if you kind of squint and look at it, right? More often than not, those students turn out to be, they have a real discovery. So if they have the right pedagogy, they really bloom. I mean, I also think that, you know, a lot of people want to be artists, right? Thousands and thousands of young people want to be artists and so on. And most of them, I would say probably shouldn't be, because they don't really have anything to say, or they have a kind of romantic idea of art. I know that's kind of sacrilegious, but I do think art is, it's a special domain of practice and and it's not easy, you know, it's fun. I do art because I think it's a more fun world than most worlds, but it is, it does require a lot of dedication, hard work, and also learning how to pick yourself up and playing the long game.

Neil Price: Did you read Claire Bishop's piece in art forum on research driven art this turn. Claire kind of blames the proliferation of PhD programs and the intranet was my reading as combined forces for this proliferation, where you go to a show and you're bombarded with these various displays of data and research and texts. And do you agree that it's the universities and the internet that are responsible for this excess of information art, or is something else going on? 

Ken Lum: Well, I don't agree because I think again you know, that's like, that's a cartoon, right? And, you know, cartoons are always based on something that's partly true. Yeah, so you could always say that. Yeah, there's a lot of art that's Incredibly over determined over thought sure. But I also think there's a lot of really incredible art that is deeply intellectual and difficult, and maybe, I suspect, gets classified with the same brush. 

Neil Price: Right. 

Ken Lum: You know, I can't say I agree or disagree. I think there's so much diversity that comes across as art, and a lot of it, I think, is really good. And I also think, you know, art, fundamentally, is also an intellectual practice. Of course, it's a material practice, it's an aesthetic practice, but it's also an intellectual practice, which, and it has a proud... Language of its own that is required of it to continue. 

Neil Price: I want to turn to your recent show, which I spoke to you about previously, and that was at the AGO titled Death and Furniture. I think what was unique about that show, and I recall researching this, that you were bringing together a range of updated works from your various series photo mirror, neology furniture sculpture, your portrait repeated text series, these series you've been working in for decades. But you brought certain works together for the first time in one setting. I believe in that Shona , and I wondered what that was like for you from a kind of retrospective lens to, to think back on these ongoing series, but here you were bringing them into conversation at the AGO. 

Ken Lum: I was grateful to have the opportunity to be able to coalesce different strands of my thinking, my work in one's venue, because it made me think back to when I first started as an artist, the first number of years, actually, where I would develop a series, then I'd develop another series, I'd develop furniture work, I'd develop, and so on, language paintings. And I would get a lot of criticism at that time, from a lot of people actually, who were in positions of influence, saying, You know, you seem smart, but you're all over the place. Why are you kind of zigzagging? I don't feel I'm zigzagging. I said, but you're jumping from I don't feel I'm jumping because I felt that I was developing a set of concerns and a language that was connecting all the different forms of the word, right? And I thought it was not possible for me to express. The many dimensions of my interest in one form, one particular form, but that was the orthodoxy at that time. So when I was showing at the AGO, I really thought back to this earlier criticism, which was quite painful to endure at the time, right? 

Neil Price: Yeah. By the way, congratulations on the 2023 Scotiabank Photography Award. That's amazing. 

Ken Lum: Yeah, thank you.

Neil Price: I know winning the award means you'll have a solo exhibition at the next contact. 

Ken Lum: Yeah, at the Image Centre. 

Neil Price: At the Image Centre next year. Can you give us a little hint as to what you might be presenting or working on? 

Ken Lum: I'm not sure this work I'm working on, but... 

Neil Price: Okay. 

Ken Lum: During the mid 1990s when I started doing this series of you know, repeated text image works I shot a lot of pictures. I had this large format camera and I would just, I did quite a lot. It was like, I basically never slept. And my wife recently was going over my negatives and so on. And many of them were printed as contact sheets. And she said to me, when did you take this picture? I said, you know, 94, I guess. And She said, Wow what's the text for? It's an incredible work, right? And I said, Oh, I never realized. And I said, I looked at it again. I went, yeah. And so next morning I looked at it some more and I realized I had probably like maybe 13, 14 images out of about 20 that I feel can be converted into work and it has a real relevance. I'm not sure why I didn't finish them. I think probably because I didn't have enough money to finish, you know, I never made enough money, so, but I'm glad they're here and it actually made me inhabit my own 1990 or mid nineties body somehow it was just really quite magical. But wow. I felt like I was really, not that my life is over, but I felt like I was really at the apex in terms of my thinking and my drive and so on. And yet I thought they were still relevant. So, that's going to be one series anyway.

Neil Price: You've lived and worked in the U. S. for some time now. I think 2016, you... Became the Chair of Fine Arts at the University of Pennsylvania's Weitzman School of Design in Philadelphia. And when I was thinking of 2016, I'm thinking, well, what else happened in the world at that time? And of course, that's when Trump was elected. And I, I wonder what it's been like living... in the U. S. through these times and whether it's caused you to think about the role of art, particularly your work in the public domain and public based art, whether you see it as more urgent, less urgent, more relevant than ever. What's the current context in the U. S. done to your thinking around the role of art? 

Ken Lum: To be clear, I moved to U. S. in 2012. 

Neil Price: It was earlier. Okay. 

Ken Lum: Yeah. I became chair in 2016. 

Neil Price: I see. 

Ken Lum: But I moved to the U. S. in 2012 and I'm not sure I wouldn't have turned right back if, you know, knowing that Trump was going to be elected. To put it mildly, it was a nightmare to live through Trump. I mean, I know that it was a nightmare for many parts of the world, but to be in the United States, right, only, you know, maybe about a hundred miles north of Washington, D. C. Right. And also, you know, Trump graduated from Penn. In fact his daughter Tiffany was a fine arts student. Right. So, and I even met Trump at Penn. Right. Yeah. It was a nightmare. But at the same time, I think, you know, I'm an, I'm the type of artist that's-- I like to see my art as being relevant to the times, right? I'm not just an artist who makes art. I'm an artist who writes. I'm an artist who thinks. I'm an artist who co founded Monument Lab, an important think tank. Now, I don't consider all the things that I do that aren't artworks. I don't consider those artworks, by the way. Right. But I do consider it as part of the life of an artist. And so, you know, for better or for worse, the United States is a kind of an amazing place. I think people who don't even like the United States have to agree that there's a lot that is wonderful about the United States. There's a lot that's terrible about the United States, right? And unfortunately, that's what you have to have acknowledge that the terrible comes with the wonderful in the United States and then and they come and they can switch like that from some situation that's incredibly wonderful exhilarating to a moment that's incredibly tragic and horrifying just in a split second, right. It's a very weird place. So it's very as an artist. It's very intellectually stimulating for me. I feel like I can do more things there. You know, it was-- go start this think tank, which I don't think I, it would have been so easy for me to begin in Canada and so on. And besides, I had to come to the United States because after I left UBC in 2006. And I hope this is, the listeners aren't misreading this as like vengeful or it's full of a grudge regarding Canada. But the fact was that I never received any interest from Canadian schools after I left UBC. In the first year I left UBC, I received four or five inquiries from... Major American schools, right? And I kept, and they kept coming in, like, from Yale, from MIT, from, you know, they weren't small schools. And so I had a lot of interest from, and then eventually I became a father. And my wife said to me, are you going to keep saying no? Because now, to these offers, because now you're a parent and..

Neil Price: You may need the money. 

Ken Lum: Yeah, right. No, it's like that because I don't come from, and I have nothing, no inheritance, for example. But it was also a great thing. It was hard coming to Philadelphia and it was like coming to a totally different world, right? Because it's like, it's cutthroat. It's, you know, capitalism is like a religion in the United States. And you know, the poor are punished because they are failing to be rich, you know, it's crazy, right? You know, racism is, or let's just say race continues to be you know, endemic to a system. But at the same time, there's also all kinds of incredibly valiant and important anti racist organizations, anti you know, poverty organizations that I'm a part of and I've never seen anything quite like that as well when I was in Canada, right? At least to that scope, you know, I mean lots of not now that Trump is possibly going to be back coming back, right? You know, I don't know. I mean one thing I've never gonna give up my Canadian passport, you know, I Appreciate Canada all the more since coming to the United States, right? but the fact is it was like I needed a job at, you know, I need security. I don't come from security and I never had any offers from the United, from Canada, so. 

Neil Price: Fair enough. You mentioned Monument Lab, which is a public art and history studio that you co founded in Philadelphia. Can you tell us more about that organization, its mandate and what's happening today? I know When we last spoke, the movement around removing monuments that were connected to colonial and racist past was very prominent and was very topical, maybe less so now, but I'm wondering what's the organization's current focus? 

Ken Lum: Well, we've done a number of shows, one that just opened actually on the mall, National Mall in DC, and they give voice to a system of society that's rife with, let's just say, racialism, if not outward racism. And so we do advocate for all kinds of social justice constituents. We do give advice to various municipalities and cities about what to do with renaming of situations. You know, difficult path. We're not a PR firm, by the way. We're not, we don't try to go, okay, this is how you can mitigate. We're not interested in that. Right. We're really interested in broadening the dimension of democracy and within the procedures and so on. And so we, you know, we're busy. We do a lot of work like that. 

Neil Price: I'm curious while we're on monuments, what's your take on some of these controversies around removing Confederate statues, for example, versus giving them places in museums, or do you have a kind of view on what we should be doing or thinking around those monuments that cause so much pain and are connected to so much painful history. 

Ken Lum: Well, I mean, every situation is specific, but I would say that I don't think a Confederate monument, most of which were erected well after the Civil War, often in places where the Civil War didn't even take place or even come close to taking place, Right, except to try to create a full history, right, this idea of the lost history, lost cause. I don't think those things are museum worthy, they're not particularly aesthetically interesting. Even if they were removed, right, it's not like they're present in terms of documentation, books, encyclopedias, whatever, are being wiped out. They're still there. They still register. So, I would say that the removal of monuments is just but a step, it's not the end all. I do think that monuments shouldn't be, even problematic ones, shouldn't be removed without a healthy dote of discussion by many people, right, who live in neighborhoods, not just intellectuals and artists, but Although those are important and essential, but a wide number of people having input, right? I think the way Confederate Monument was removed in the stealth of night in New Orleans, for example, where it just kind of disappeared at 3 a. m., and then people woke up, hey, what happened? You know? I don't think that was... Maybe the best route. Although I understand it too, because if a bulldozers came at noon, I'm sure maybe there would have been a riot, right? So these things are very difficult.

Neil Price: Beyond the image center show that you've got coming up, what else are you working on? What's got Ken Lum's time right now? 

Ken Lum: Well, I'm a father, so that takes up a lot of time, and a husband. But I'm working on a, you know, a number of shows. Recently, I did a whole series of lectures in Shanghai, as I mentioned. Working on a group show in-- for Pasadena at the end of the year, I'm in a group show at the ICA in, in Philadelphia. I'm working on a project at the Asian Arts Archive in New York City. Right. I'm artist and resident there and I'm really interested in this period of social liberalization post 1979 in China. And the hunger for all kinds of Western books that was-- that were banned up until that point. And then they were quickly translated by people who were not proper translators. So many of them were like, you know, told them Taboo by Freud were written in the most hilarious ways, translated in the most hilarious ways. So I'm really interested in making a study of the Mistranslations, right. 

Neil Price: Oh wow.

Ken Lum: Not in terms of their-- the verity in relationship to the-- to Freud or to Foucault or whatever, but I'm just interested in the, you know, what I can glean from the mistranslation. So that's one project I have. I wrote a screenplay. I think maybe I discussed this with you last time. I wrote two screenplays, actually one, which is under discussion with the Hollywood production house. 

Neil Price: Wow. What's that about? 

Ken Lum: Yeah. We'll see how that goes, but it looks promising so far. It's set in 1868 and it's about a wagon train that carries mining equipment and two wagons of indentured laborers from China who were being hired to work the fields of the Idaho Gold Rush in Idaho City, Idaho in 1868. So, it's a nine-day travelogue of this wagon train and there's all kinds of little things that happen along the way. 

Neil Price: Sounds amazing.

Neil Price: I'd like to ask you a question that a past guest has put forward. And that question is, what is the best piece of advice you've ever received and who provided it? 

Ken Lum: I like to clobber that guy. The best piece of advice. I don't know that the best piece of advice, but it's one that I've taken to heart and in many ways, I think it's a very difficult piece of advice. Because it's just very emotionally difficult to try to fulfill that advice. But I think my mother always said to me, I'm paraphrasing, but no matter how difficult things have been for you and so on, and we grew up not in easy circumstances, just remember, always be generous to another, right? So, it's marked me. So, is that the best advice? You know, if she didn't, if she didn't give me that advice and that advice did not become ingrained in me, I think maybe life would have been a bit easier but it is what it is. Right. So, and I think it's always made me always remember what's important for me while I'm on this planet. So I guess, I guess it is the best advice I've ever received. 

Neil Price: And in turn, is there a question you'd like to throw out that we can, but to, future guests on the show?

Ken Lum: I guess the question I would have would be, and it's a slightly cliched one, but I think it's an important one. And it's not something that I came up with a lot of people ask, right? How would you best like to be remembered, I guess? 

Neil Price: Yeah. Ken, thank you so much for this interview. It's always a pleasure to speak with you, and wish you well with all your future projects. 

Ken Lum: Thank you very much, Neil.

Neil Price: In/Tension, presented by the Power Plant Contemporary Art Gallery, is made possible with the support of Canada Council for the Arts. We thank the diverse mix of Canadian contemporary artists for sharing more about their lives and work. This episode was hosted and created by Neil Price in collaboration with the Power Plant Contemporary Art Gallery team, Beverly Cheng, Daria Sposobna, and Zachary Scola-Allison. This show was produced by the team at Edit Audio. This episode was edited, mixed, and mastered by Ali Sirois. Our executive producer is Steph Colbourn, and our production manager is Kathleen Speckert. Show music is by NoKliche and Mopao Mumu.



French Transcript

Ken Lum: Je pense que l'art est un domaine particulier de la pratique et que ce n'est pas facile. Vous savez, c'est amusant. Je fais de l'art parce que je pense que c'est un monde plus amusant que la plupart des mondes, mais cela demande beaucoup de dévouement, de travail acharné, et aussi d'apprendre à se relever et à jouer le jeu à long terme. 

Neil Price: Bienvenue à In/Tension, un podcast présenté par la galerie d'art contemporain Power Plant, où nous parlons avec des artistes de leur art et de leur demarche. L'une des grandes qualités de l'art est son universalité. L'art peut être presque n'importe quoi tant qu'il contient de la pensée, du cœur, de la créativité et qu'il a quelque chose à dire sur la condition humaine. L'artiste canadien de renom Ken Lum est un exemple d'artiste qui a entretenu une relation illimitée avec l'art. En tant qu'universitaire, artiste, conservateur, écrivain et éditeur, la carrière de Ken Lum s'étend sur plusieurs décennies. Né et élevé à Vancouver dans une famille d'immigrants chinois, il est souvent associé à la Vancouver School of Art, un groupe d'artistes conceptuels qui a émergé dans les années 1970. Ken Lum est connu pour son art conceptuel et figuratif dans un certain nombre de médias, y compris la peinture, la sculpture et la photographie. Professeur de longue date, il est actuellement titulaire de la chaire des beaux-arts à l'école de design de l'université de Pennsylvanie, à Philadelphie. Il était auparavant professeur d'art à l'université de Colombie-Britannique, où il dirigeait également le Graduate Studio Program. Cofondateur et rédacteur en chef du Yushu Journal of Contemporary Chinese Art, Ken est un auteur prolifique qui a publié de nombreux articles, essais de catalogues et travaux de jury. Ken, bienvenue au le podcast. 

Ken Lum: C'est un plaisir d'être ici. Ravi de vous revoir, Neil. 

Neil Price: Ken, je sais que vous lisez beaucoup, que vous êtes un grand lecteur, et je sais aussi que ce que vous lisez influence souvent ce qui se passe dans ton studio et dans ton travail en général. Alors, pour commencer, qu'avez-vous lu?

Ken Lum: Eh bien, vous savez, je suis président d'un département et j'ai donc lu beaucoup d'essais d'étudiants. J'ai récemment donné quelques conférences à Shanghai. J'ai dû me documenter sur l'art républicain en Chine. Mais pour ce qui est de mon propre plaisir. Je ne prends pas plaisir à lire pour mes propres cours obligatoires, mais c'est vrai. J'avais l'habitude de lire beaucoup de romans, par exemple. Je n'ai pas lu de roman depuis des lustres. Je veux dire, j'ai relu un, pas relu, j'ai lu un livre d'Ed Lee Wong, mais il concernait les travailleurs sous contrat, les travailleurs sous contrat chinois au 19ème siècle. 

Neil Price: C'est vrai. 

Ken Lum: Et c'est en rapport avec un projet sur lequel je travaillais. Je pense donc que la question devrait être de savoir ce que vous entendez par plaisir. Et j'aurais du mal à répondre à cette question. 

Neil Price: Vous faites souvent référence à des livres dans vos écrits, mais aussi à des films. J'ai donc pensé commencer par là. Qu'est-ce qui vous inspire ces jours-ci ou qu'est-ce qui vous intrigue dans vos lectures, mais on dirait que vous lisez beaucoup en rapport avec vos différents projets.

Ken Lum: Oui, c'est un peu un problème de ce côté-là, mais je suis vraiment inspiré par beaucoup de films. Je dois dire que j'ai pris un peu de recul par rapport aux films pendant un certain nombre d'années et que, pour une raison ou une autre, ce n'était pas le programme. Mais j'ai vu quelques très bons films, vous savez, j'ai vu 1001 qui m'a semblé être un film fantastique sur... sur Harlem pendant, juste au début de l'embourgeoisement. Et en fait, un ancien étudiant, un récent diplômé de la maîtrise en beaux-arts de Penn est directeur de la photographie. C'est ainsi.

Neil Price: Oh, c'est bien. Ken, vous avez, à mon avis, l'une des carrières les plus remarquables et les plus enviables dans le domaine de l'art. Vous êtes artiste, bien sûr, érudit, écrivain. Conservateur, éditeur, administrateur d'université. Je veux dire, je pourrais continuer. Et ces rôles semblent vous permettre de rester engagé à travers de multiples points d'entrée dans l'art. Je me demande donc comment vous avez fait pour vous forger une carrière aussi diversifiée et étendue. Je pourrais parler d'éclectisme, mais j'opterai plutôt pour la cherté. 

Ken Lum: C'est vrai. Personnellement, je ne pense pas qu'elle soit éclectique, parce que je pense qu'elle est liée à différents aspects ou différentes dimensions de l'art et de la culture. J'inclus "et la culture" parce que je ne m'intéresse pas seulement à la manière dont l'art fonctionne dans le cadre du système artistique.

Neil Price: C'est exact. 

Ken Lum: Ou à la manière dont l'art est impliqué dans la sphère culturelle au sens large, même si cela m'intéresse. Mais je m'intéresse à la culture au sens large, à la culture produite par les gens ordinaires. La culture que la plupart des gens ne considèrent même pas comme... est digne du mot culture, mais je pense que l'un des grands avantages des études culturelles est que toute forme d'expression peut être considérée comme faisant partie de la culture. Ce n'est donc pas un programme sur lequel j'ai réfléchi, n'est-ce pas? C'était plutôt, et je l'ai dit dans de nombreuses interviews, provoqué par l'insatisfaction, la profonde insatisfaction de ma part concernant ce que je pensais être les limites de l'art. Je me pose toujours la question de savoir ce qu'il y a de plus à faire en tant qu'artiste. Et quand je dis être un artiste, ce n'est pas séparé de... Je me pose également la question de savoir ce que cela signifie d'être un citoyen dans ce monde, sur cette planète, à cette époque, et quelles sont les responsabilités d'un citoyen du monde. Et donc, bien sûr, cela exigeait d'être curieux des autres mondes, des autres mondes géographiques, qui, vous savez, le monde de l'art est très circonscrit, même aujourd'hui, n'est-ce pas? Il est beaucoup plus mondialisé, mais même aujourd'hui, il est très circonscrit. Mais il est certain que lorsque j'étais - il y a 30 ans, c'était très européen ou nord-américain, n'est-ce pas? Avec un peu de matière, peut-être un peu de Japon, un peu d'Amérique du Sud, etc. Mais je m'intéressais vraiment à ces endroits parce que je me disais: "Eh bien, attendez une seconde. Pourquoi tout le monde ignore-t-il l'Afrique? Je veux dire, il y a un milliard d'habitants. Pourquoi?" C'était juste des questions énormes. Je pensais que cela n'avait aucun sens. Je crois que j'étais le genre de personne qui se disait, vous savez, je vais aller là-bas et je vais essayer de voir comment je peux développer des projets sur une base durable, de manière à ce que je puisse vraiment rester sur place. Et je pense que j'ai fini par créer les conditions qui m'ont permis de devenir chef de projet pour une exposition sur la décolonisation, le mouvement d'indépendance en Afrique. Puis j'ai été... vous savez, j'ai fait une exposition sur la Chine, les années 1920 et 1930 après la révolution de mai 1919 et d'autres choses de ce genre. Ensuite, j'ai été conservateur à Sharjah. Je m'intéressais à tous ces endroits différents. Pas simplement parce que je voulais y aller, mais parce que c'est beaucoup de travail de réaliser ces projets.

Neil Price: Oui, bien sûr. 

Ken Lum: Ce n'était pas comme si vous deviez écrire, j'ai dû écrire un essai de 10 000 mots. Oui, c'est vrai. Des choses comme ça. 

Neil Price: Vous avez parlé d'il y a 30 ans, et j'aimerais vous ramener à Vancouver. Vous êtes né et avez grandi là-bas, vous êtes un immigrant chinois de première génération, et vous avez été mentionné aux côtés d'artistes comme Jeff Wall, Roy Arden, Ian Wallace, Stan Douglas, Vicky Alexander, et j'en passe, qui sont collectivement considérés comme appartenant à ce que l'on appelle l'école d'art conceptuel ou de photographie conceptuelle de Vancouver. Pourriez-vous nous parler un peu de ce qui a façonné cette scène artistique particulière à Vancouver et de ses principales contributions à l'art au Canada et au-delà? Que se passait-il là-bas? 

Ken Lum: Tout d'abord, je dois dire que plusieurs générations d'artistes ont émergé de Vancouver, comme Brian Young, Jeffrey Farmer et Stephen Shearer. Beaucoup d'artistes sont donc sortis de là et quand les gens posent la question que vous avez posée, on suggère, ce qui est tout à fait compréhensible, comment une telle scène a pu émerger d'un endroit aussi éloigné, n'est-ce pas? Mais je pense que ce qui a créé les conditions pour cela, c'est que Vancouver, malgré le fait qu'elle ait été une sorte de trou perdu pendant de nombreuses décennies et un refuge pour les hippies, était aussi un endroit où s'installaient les intellectuels de la guerre du Viêt Nam. De plus, l'idée même d'être une sorte de terminus. La ville avait quelque chose de libérateur à ce sujet. Je veux dire qu'il y a quelque chose d'isolant, mais il y a aussi quelque chose d'assez libérateur. Et je pense que nous avons eu des gens comme Alvin Balkin, qui est professeur à l'UBC et qui était vraiment intéressé par l'apport, vous savez, de connaissances provenant des capitales. J'avais un professeur, Stanley Cooperman, qui est un grand poète et écrivain. Il était originaire de New York et s'est échappé à Vancouver. Et Ernest Becker, qui a écrit un grand livre sur la mort, en fait, un grand livre philosophique. Il a vécu à Vancouver pendant de nombreuses années. Kaja Silverman, une grande historienne de l'art, y a passé de nombreuses années. Et même les poètes de la Bay Area, les poètes beat, comme Allen Ginsberg et d'autres, revenaient constamment, n'est-ce pas? Il y avait donc ce genre de fermentation, si l'on peut dire, qui se produisait. Mais il y avait aussi des gens comme Jeff, je suppose, et aussi Ian Wallace, dont on sous-estime l'influence sur le programme pédagogique de l'école d'art de Vancouver, aujourd'hui l'université Emily Carr. Ils faisaient venir toutes sortes d'artistes et de critiques internationaux. Gossuth, Martha Rossler, etc. venaient chaque semaine. Le monde de l'art était également différent à l'époque, parce que, vous savez, je me souviens qu'on m'avait demandé de contacter Joseph Gossuth pour savoir s'il était intéressé à venir parler aux étudiants. Il m'a répondu et je lui ai dit que nous ne pouvions pas payer beaucoup. Nous ne pouvons payer que quelques centaines de dollars canadiens et nous allons, mais nous allons essayer d'arriver à 400 ou quelque chose comme ça. Il me répond que c'est très bien. C'est vrai. Je me dis que cela n'arriverait jamais aujourd'hui, mais ce sont toutes ces conditions qui ont créé cette sorte de curiosité intellectuelle. Nous avions ces groupes de lecture, pourrait-on dire. Oui, c'est vrai. Nous avions des échanges avec la Kootenay School of Writing, par exemple, il y avait un sous-ensemble de personnes vraiment intéressées par le cinéma d'avant-garde, n'est-ce pas? Et il y avait aussi la Ace Gallery, qui était, je me souviens d'avoir vu Andy Warhol y faire un vernissage, et Andy Warhol y était d'ailleurs présent.

Neil Price: Wow. 

Ken Lum: Il y a tout un tas de petites choses qui sont, qui sont tout à fait étonnantes parce que la galerie d'art à l'époque était minuscule. N'est-ce pas? 

Neil Price: Oui: Oui, c'est vrai.

Ken Lum: Et il n'y avait pas d'autre vrai musée et, mais il y avait certaines choses qui ont créé les bonnes conditions pour que j'ai vu émerger. Oui, c'est vrai. 

Neil Price: C'est incroyable: C'est incroyable. J'aimerais revenir sur votre livre, Everything is Relevant, qui est l'un de mes préférés. J'aimerais passer un peu de temps sur deux articles ou deux essais. Dans un essai intitulé "Canadian cultural policy: a problem of metaphysics", vous présentez une sorte d'examen complet de l'appareil artistique et culturel du Canada en vous penchant sur son histoire, ses forces et son évolution, ainsi que sur les défis qu'il doit relever. Dans cet essai, vous décrivez comment la politique artistique et culturelle canadienne s'est développée en grande partie en réponse à cette crainte, perçue ou non, de voir les arts canadiens subsumés, semble-t-il, par les États-Unis et leur production culturelle massive. Je me demande si votre point de vue, étant donné que vous avez écrit cet article il y a 23 ou 24 ans... 

Ken Lum: Il y a 25 ans. 

Neil Price: Il y a 25 ans. Je me demande si, aujourd'hui, en termes de financement, de politique, d'initiatives gouvernementales en faveur de l'art, les choses ont changé ou si vous observez le même système. Que pensez-vous de cette politique aujourd'hui? 

Ken Lum: L'ambivalence, je suppose. Non, je pense qu'il s'agissait de soutenir les arts, je pense que c'est le cas. C'est important, n'est-ce pas? Mais je pense aussi que le fait de faire porter aux artistes toute la responsabilité de l'évaluation de l'art, de la conservation de l'art, de la création de la prochaine génération d'art, de l'administration de l'art, est également une erreur. Vous savez, il y avait beaucoup d'artistes au Canada, beaucoup d'espaces gérés par des artistes et beaucoup de lieux pour, et d'opportunités pour les jeunes artistes d'apprendre la vidéo, toutes sortes de choses et d'être initiés à l'art. Et c'est une bonne chose. Mais il y a eu très peu de soutien ou de création d'une classe de conservation, d'une classe de critique d'art. Il y avait très peu de programmes dynamiques d'histoire de l'art canadien dans les universités, c'était très sec et cela s'est terminé 30 ans avant ce que j'ai écrit. Et en fait, j'ai mentionné que le dernier livre qui était pertinent jusqu'à ce moment-là, du moins, qui me semblait pertinent, était le livre de Dennis Reed, Canadian Painting, n'est-ce pas? 

Neil Price: Donc 1973, je pense qu'il va jusqu'à ou quelque chose comme ça. 

Ken Lum: Oui, peut-être. C'est vrai. J'ai donc pensé qu'il y avait quelque chose qui n'allait pas. Et je me souviens que lorsque je suis allé à Düsseldorf, j'ai commencé à exposer et j'ai donné une conférence à l'Académie des Beaux-Arts de Düsseldorf et j'ai rencontré tous ces jeunes artistes nommés Thomas Ruff et Thomas Struess, qui sont devenus très connus.

Neil Price: De bons noms. 

Ken Lum: Oui: Je me souviens que Thomas Ruff m'a dit d'échanger des catalogues, etc. Et j'ai dit, bien sûr, j'ai apporté tout ce que j'avais sur moi et c'était surtout des petites brochures. Et puis il avait des livres magnifiquement reliés, n'est-ce pas? Six ou sept. Wow, est-ce que vous aviez, ce sont des expositions de musée? Il m'a dit non, ce sont juste des espaces gérés par des artistes allemands. C'est vrai? Et j'ai dit, mais j'ai dit, pourquoi? Mais vous avez ces essais, etc. Il m'a répondu que le gouvernement essayait de soutenir les écrivains intellectuels et de réfléchir philosophiquement à l'importance de l'art. J'ai trouvé que c'était une grave lacune pour la scène artistique canadienne. J'ai donc toujours soutenu cette initiative, mais je pensais aussi qu'il manquait quelque chose d'important et qu'il fallait s'attaquer à ce problème.

Neil Price: Oui, restons un instant sur le livre. L'autre section que j'aime beaucoup est The London Art Diaries, 1999 2000. Vous présentez ces récits discursifs et profondément perspicaces de vos voyages, vous savez, des pensées aléatoires, des rencontres avec différentes personnes liées à l'art, et vous avez cette entrée où vous déplore en quelque sorte une situation où les écoles d'art, et je sais que vous êtes président d'un département d'art, donc je suis vraiment intéressé par votre point de vue à ce sujet. Les écoles d'art semblent produire des artistes capables de présenter ou de créer des œuvres techniquement fortes et belles, mais c'est un art qui manque de ce que vous appelez la finition émotionnelle et intellectuelle. Étant donné votre implication permanente dans une institution artistique, l'enseignement de l'art, je suis curieux de savoir ce que vous en pensez aujourd'hui. Je suis curieux de savoir ce que vous en pensez. Encore une fois, vous avez écrit ces articles il y a un certain temps. Je me demande donc où vous en êtes aujourd'hui avec la question des écoles d'art et du type d'artistes qu'elles semblent produire. Et je suppose que vous parlez dans le contexte américain. 

Ken Lum: Vous savez, il est évident que je décrivais les choses de manière très générale, n'est-ce pas? Mais je pense que, du moins dans le monde de l'art, il y a eu une renaissance en termes d'expansion de belles voix et de nouveaux groupes d'artistes qui ont commencé à participer au système artistique, vous savez, pour des raisons de mondialisation. Et la forme de la Biennale, qui a proliféré au cours des 20 ou 25 dernières années, a vraiment été un véhicule exceptionnel pour l'expression de ces voix. Cela a donc suivi ma période artistique londonienne, c'est vrai. Cela dit, je pense que, dans l'ensemble, la plupart des écoles d'art, la plupart, d'accord, pas toutes, parce que si vous commencez à compter le nombre d'écoles d'art, il y en a beaucoup. Nous ne pensons qu'à certaines écoles d'art, n'est-ce pas? Mais il y en a des centaines et des centaines. Et la plupart d'entre elles ne sont pas très bonnes. 

Neil Price: Pourquoi dites-vous cela? 

Ken Lum: Parce que je pense que la plupart d'entre eux, du moins d'après mon expérience, ne permettent pas aux étudiants, n'est-ce pas? Aux jeunes artistes de se découvrir vraiment. C'est souvent comme si, vous savez, j'étais plus important. Je suis un professeur. Vous allez suivre ma vision de l'art, n'est-ce pas? Je peux vous donner un exemple: nous recevons beaucoup de candidats à Penn et nous recevons un candidat dont le travail, au premier coup d'œil sur les images du travail, est de mauvaise qualité, mal éclairé, ce qui n'est pas une bonne chose, bien sûr, n'est-ce pas? Mais en même temps, j'ai toujours pensé, attendez une seconde, cette personne va... Cette université, qui est obscure dans un village, en fait, au milieu de nulle part. Et peut-être qu'il n'y a pas d'équipement adéquat, peut-être qu'on ne leur apprend pas à quel point il est important de présenter. Mais vous savez, la déclaration est en fait très intéressante. Et même le travail, si vous le regardez de plus près, n'est-ce pas? Le plus souvent, ces étudiants se révèlent être de véritables découvreurs. S'ils bénéficient d'une bonne pédagogie, ils s'épanouissent vraiment. Je veux dire, je pense aussi que, vous savez, beaucoup de gens veulent être artistes, n'est-ce pas? Des milliers et des milliers de jeunes veulent être artistes, etc. Et je dirais que la plupart d'entre eux ne devraient pas l'être, parce qu'ils n'ont pas grand-chose à dire, ou parce qu'ils ont une idée un peu romantique de l'art. Je sais que c'est un peu sacrilège, mais je pense que l'art est, c'est un domaine spécial de la pratique et ce n'est pas facile, vous savez, c'est amusant. Je fais de l'art parce que je pense que c'est un monde plus amusant que la plupart des mondes, mais cela demande beaucoup de dévouement, de travail, et aussi d'apprendre à se relever et à jouer le jeu à long terme.

Neil Price: Avez-vous lu l'article de Claire Bishop dans Art Forum sur l'art axé sur la recherche? Claire blâme en quelque sorte la prolifération des programmes de doctorat et l'intranet, d'après ce que j'ai lu, comme étant les forces combinées de cette prolifération, où l'on se rend à une exposition et où l'on est bombardé de ces diverses présentations de données, de recherches et de textes. Êtes-vous d'accord pour dire que ce sont les universités et Internet qui sont responsables de cet excès d'art de l'information, ou bien y a-t-il autre chose? 

Ken Lum: Je ne suis pas d'accord parce que je pense qu'encore une fois, c'est comme un dessin animé, n'est-ce pas? Et, vous savez, les dessins animés sont toujours basés sur quelque chose qui est en partie vrai. Oui, donc on peut toujours dire ça. Oui, il y a beaucoup d'art qui est incroyablement surdéterminé et surréfléchi, c'est sûr. Mais je pense aussi qu'il y a beaucoup d'art vraiment incroyable qui est profondément intellectuel et difficile, et peut-être, je le soupçonne, que l'on met dans le même sac. 

Neil Price: C'est vrai. 

Ken Lum: Vous savez, je ne peux pas dire que je suis d'accord ou non. Je pense qu'il y a tellement de diversité qui se présente comme de l'art, et beaucoup d'entre elles, je pense, sont vraiment bonnes. Je pense aussi que l'art est fondamentalement une pratique intellectuelle. Bien sûr, c'est une pratique matérielle, c'est une pratique esthétique, mais c'est aussi une pratique intellectuelle, qui a un fier... langage qui lui est propre et qui est nécessaire pour qu'elle continue. 

Neil Price: J'aimerais revenir sur votre récente exposition, dont je vous ai déjà parlé, qui s'est tenue à l'AGO et qui s'intitulait Death and Furniture (Mort et mobilier). Je pense que ce qui était unique dans cette exposition, et je me souviens d'avoir fait des recherches à ce sujet, c'est que vous avez rassemblé une série d'œuvres actualisées issues de vos différentes séries: le miroir photographique, la sculpture de meubles en néologie, votre série de portraits répétés, ces séries dans lesquelles vous travaillez depuis des dizaines d'années. Mais vous avez rassemblé certaines œuvres pour la première fois dans un même lieu. Je crois en cela, Shona, et je me demandais ce que cela représentait pour vous, d'un point de vue rétrospectif, de repenser à ces séries en cours, mais ici, vous les faisiez dialoguer à l'AGO. 

Ken Lum: J'étais reconnaissant d'avoir l'occasion de réunir différents courants de ma pensée, de mon travail dans un même lieu, parce que cela m'a fait penser à mes débuts en tant qu'artiste, les premières années, en fait, où je développais une série, puis une autre série, je développais le travail sur le mobilier, je développais, et ainsi de suite, des peintures sur le langage. À cette époque, j'ai reçu de nombreuses critiques de la part de personnes influentes, qui m'ont dit: "Vous savez, vous semblez intelligent, mais vous allez dans tous les sens. Pourquoi faites-vous des zigzags? Je n'ai pas l'impression de zigzaguer. J'ai dit, mais vous sautez de... Je n'ai pas l'impression de sauter parce que j'avais l'impression de développer un ensemble de préoccupations et un langage qui reliait toutes les différentes formes du mot, n'est-ce pas? Et je pensais qu'il ne m'était pas possible de l'exprimer. Les nombreuses dimensions de mon intérêt dans une seule forme, une forme particulière, mais c'était l'orthodoxie à l'époque. Lorsque j'ai exposé à l'AGO, j'ai repensé à cette critique, qui était assez douloureuse à supporter à l'époque, n'est-ce pas? 

Neil Price: Oui. Au fait, je vous félicite pour le prix de la photographie de la Banque Scotia 2023. C'est formidable. 

Ken Lum: Oui, merci.

Neil Price: Je sais que le fait d'avoir remporté le prix signifie que vous aurez une exposition solo au prochain contact. 

Ken Lum: Oui, au Centre de l'image. 

Neil Price: Au Centre de l'image l'année prochaine. Pouvez-vous nous donner un petit aperçu de ce que vous allez présenter ou sur quoi vous allez travailler? 

Ken Lum: Je ne suis pas sûr du travail sur lequel je travaille, mais... 

Neil Price: D'accord. 

Ken Lum: Au milieu des années 1990, lorsque j'ai commencé à faire cette série d'images textuelles répétées, j'ai pris beaucoup de photos. J'avais un appareil photo grand format et j'en faisais beaucoup. C'était comme si je ne dormais jamais. Récemment, ma femme a passé en revue mes négatifs, etc. Et beaucoup d'entre eux ont été imprimés sous forme de planches contact. Elle m'a demandé quand as tu pris cette photo. J'ai répondu, vous savez, en 94, je crois. Et elle m'a dit: "Wow, c'est pour quoi le texte? C'est une œuvre incroyable, n'est-ce pas? J'ai répondu: "Oh, je ne m'en étais jamais rendu compte. Et j'ai dit, je l'ai regardé à nouveau. Je me suis dit, oui. Le lendemain matin, je l'ai regardé à nouveau et j'ai réalisé que j'avais probablement 13 ou 14 images sur une vingtaine qui, selon moi, pouvaient être converties en œuvre et qui avaient une réelle pertinence. Je ne sais pas exactement pourquoi je ne les ai pas terminées. Je pense que c'est probablement parce que je n'avais pas assez d'argent pour les finir, vous savez, je n'ai jamais gagné assez d'argent, donc, mais je suis content qu'elles soient là et cela m'a fait habiter mon propre corps des années 1990 ou du milieu des années 1990 d'une certaine manière, c'était vraiment tout à fait magique. Mais wow. J'ai eu l'impression d'être vraiment, non pas que ma vie soit finie, mais j'ai eu l'impression d'être vraiment à l'apogée de ma pensée, de ma motivation, etc. Et pourtant, j'ai pensé qu'ils étaient toujours d'actualité. Ce sera donc une série de toute façon.

Neil Price: Vous vivez et travaillez aux États-Unis depuis un certain temps maintenant. En 2016, vous avez... Vous êtes devenu titulaire de la chaire des beaux-arts à l'école de design Weitzman de l'université de Pennsylvanie, à Philadelphie. En pensant à 2016, je me suis demandé ce qui s'était passé dans le monde à cette époque. Et bien sûr, c'est à ce moment-là que Trump a été élu. Et je me demande ce que c'est que de vivre... aux États-Unis à cette époque et si cela vous a amené à réfléchir au rôle de l'art, en particulier à votre travail dans le domaine public et à l'art basé sur le public, si vous le voyez comme plus urgent, moins urgent, plus pertinent que jamais. Qu'est-ce que le contexte actuel aux États-Unis a fait à votre réflexion sur le rôle de l'art? 

Ken Lum: Pour être clair, j'ai déménagé aux États-Unis en 2012. 

Neil Price: C'était avant. D'accord. 

Ken Lum: Oui: Oui. Je suis devenu président en 2016. 

Neil Price: Je vois. 

Ken Lum: Mais j'ai déménagé aux États-Unis en 2012 et je ne suis pas sûr que je n'aurais pas fait demi-tour si, vous savez, j'avais su que Trump allait être élu. Le moins que l'on puisse dire, c'est que c'était un cauchemar de vivre avec Trump. Je veux dire, je sais que c'était un cauchemar pour de nombreuses régions du monde, mais pour être aux États-Unis, vous savez, seulement à une centaine de kilomètres au nord de Washington, D.C. C'est vrai. Et aussi, vous savez, Trump est diplômé de Penn. En fait, sa fille Tiffany était étudiante en beaux-arts. C'est vrai. J'ai même rencontré Trump à Penn. C'est vrai. Oui, c'était un cauchemar. Mais en même temps, je pense que, vous savez, je suis un, je suis le type d'artiste qui est... j'aime voir mon art comme étant pertinent pour l'époque, n'est-ce pas? Je ne suis pas seulement un artiste qui fait de l'art. Je suis un artiste qui écrit. Je suis un artiste qui pense. Je suis un artiste qui a cofondé Monument Lab, un important groupe de réflexion. Je ne considère pas toutes les choses que je fais qui ne sont pas des œuvres d'art. Je ne les considère d'ailleurs pas comme des œuvres d'art. D'ailleurs, je ne les considère pas comme des œuvres d'art. Mais je considère que cela fait partie de la vie d'un artiste. Vous savez, pour le meilleur et pour le pire, les États-Unis sont un endroit extraordinaire. Je pense que les gens qui n'aiment même pas les États-Unis doivent convenir qu'il y a beaucoup de choses merveilleuses aux États-Unis. Il y a aussi beaucoup de choses terribles aux États-Unis, n'est-ce pas? Et malheureusement, il faut reconnaître que le terrible vient avec le merveilleux aux États-Unis et qu'ils peuvent passer d'une situation incroyablement merveilleuse et exaltante à un moment incroyablement tragique et horrifiant en une fraction de seconde, n'est-ce pas? C'est un endroit très étrange. En tant qu'artiste, c'est très stimulant. C'est très stimulant intellectuellement pour moi. J'ai l'impression que je peux faire plus de choses là-bas. Vous savez, c'était... lancer ce groupe de réflexion, ce que je ne pense pas, il aurait été si facile pour moi de commencer au Canada et ainsi de suite. Et d'ailleurs, j'ai dû venir aux États-Unis parce que j'ai quitté l'UBC en 2006. Et j'espère que les auditeurs n'interprètent pas cela comme une vengeance ou une rancune à l'égard du Canada. Mais le fait est que je n'ai jamais reçu d'intérêt de la part d'écoles canadiennes après avoir quitté l'UBC. La première année où j'ai quitté l'UBC, j'ai reçu quatre ou cinq demandes de renseignements de la part de... De grandes écoles américaines, n'est-ce pas? Et j'ai continué à recevoir des demandes de Yale, du MIT, de, vous savez, ce n'étaient pas de petites écoles. J'ai donc suscité beaucoup d'intérêt, puis je suis devenu père. Ma femme m'a demandé si j'allais continuer à dire non. Parce que maintenant, à ces offres, parce que maintenant vous êtes un parent et...

Neil Price: Vous pourriez avoir besoin d'argent. 

Ken Lum: Oui, c'est vrai. Non, c'est comme ça parce que je ne viens pas de, et je n'ai rien, pas d'héritage, par exemple. Mais c'était aussi une bonne chose. C'était difficile de venir à Philadelphie et c'était comme arriver dans un monde totalement différent, n'est-ce pas? Parce que c'est comme si c'était une lutte acharnée. Le capitalisme est comme une religion aux États-Unis. Et vous savez, les pauvres sont punis parce qu'ils ne parviennent pas à être riches, vous savez, c'est fou, n'est-ce pas? Le racisme est, ou disons simplement que la race continue d'être endémique dans un système. Mais en même temps, il y a aussi toutes sortes d'organisations antiracistes incroyablement vaillantes et importantes, des organisations anti-pauvreté dont je fais partie et je n'ai jamais rien vu de tel lorsque j'étais au Canada, n'est-ce pas? Au moins à cette échelle, vous savez, je veux dire beaucoup de pas maintenant que Trump va peut-être revenir, n'est-ce pas? Je ne sais pas. Je n'abandonnerai jamais mon passeport canadien, j'apprécie d'autant plus le Canada depuis que je suis aux États-Unis, mais le fait est que j'avais besoin d'un emploi à, vous savez, j'ai besoin de sécurité. Je ne viens pas de la sécurité et je n'ai jamais eu d'offres des États-Unis, du Canada, donc. 

Neil Price: C'est vrai. Vous avez mentionné Monument Lab, un studio d'art public et d'histoire que vous avez cofondé à Philadelphie. Pouvez-vous nous en dire plus sur cette organisation, son mandat et ce qui se passe aujourd'hui? Je sais que la dernière fois que nous nous sommes parlés, le mouvement visant à retirer les monuments liés au passé colonial et raciste était très important et très actuel, peut-être moins maintenant, mais je me demande quel est l'objectif actuel de l'organisation? 

Ken Lum: Nous avons réalisé un certain nombre de spectacles, dont un qui vient d'ouvrir ses portes sur le Mall, le National Mall à Washington, et qui donne la parole à un système social où règne, disons-le, le racialisme, voire le racisme pur et dur. Nous défendons donc toutes sortes d'intérêts en matière de justice sociale. Nous donnons des conseils à diverses municipalités et villes sur ce qu'il convient de faire en cas de changement de nom. Vous savez, c'est un chemin difficile. Nous ne sommes pas un cabinet de relations publiques. Nous n'essayons pas de dire, d'accord, voici comment vous pouvez atténuer le problème. Cela ne nous intéresse pas. C'est vrai. Ce qui nous intéresse vraiment, c'est d'élargir la dimension de la démocratie et des procédures, etc. Nous sommes donc très occupés. Nous faisons beaucoup de travail dans ce domaine. 

Neil Price: Puisque nous parlons de monuments, je suis curieux de savoir ce que vous pensez de certaines controverses concernant le retrait des statues confédérées, par exemple, par rapport au fait de les placer dans des musées, ou si vous avez un avis sur ce que nous devrions faire ou penser de ces monuments qui causent tant de douleur et qui sont liés à une histoire si douloureuse. 

Ken Lum: Eh bien, je veux dire que chaque situation est spécifique, mais je dirais que je ne pense pas qu'un monument confédéré, dont la plupart ont été érigés bien après la guerre civile, souvent dans des endroits où la guerre civile n'a même pas eu lieu ou a failli avoir lieu, d'accord, sauf pour essayer de créer une histoire complète, d'accord, cette idée de l'histoire perdue, de la cause perdue. Je ne pense pas que ces choses méritent d'être exposées dans un musée, elles ne sont pas particulièrement intéressantes d'un point de vue esthétique. Même s'ils étaient enlevés, ce n'est pas comme s'ils étaient présents en termes de documentation, de livres, d'encyclopédies, etc. Ils sont toujours là. Ils sont toujours enregistrés. Je dirais donc que l'enlèvement des monuments n'est qu'une étape, ce n'est pas la finalité. Je pense que les monuments, même ceux qui posent problème, ne devraient pas être enlevés sans une discussion saine avec de nombreuses personnes qui vivent dans les quartiers, pas seulement des intellectuels et des artistes, bien qu'ils soient importants et essentiels, mais aussi un grand nombre de personnes qui ont leur mot à dire, n'est-ce pas? Je pense que la façon dont le monument confédéré a été enlevé dans la discrétion de la nuit à la Nouvelle-Orléans, par exemple, où il a disparu à 3 heures du matin, puis les gens se sont réveillés, hé, qu'est-ce qui s'est passé? Vous comprenez? Je ne pense pas que ce soit... Peut-être la meilleure solution. Mais je le comprends aussi, parce que si les bulldozers étaient arrivés à midi, je suis sûr qu'il y aurait eu une émeute, n'est-ce pas? Ces choses-là sont donc très difficiles.

Neil Price: Au-delà de l'exposition du centre d'images que vous allez organiser, sur quoi travaillez-vous? Qu'est-ce qui occupe Ken Lum en ce moment? 

Ken Lum: Je suis père, ce qui me prend beaucoup de temps, et je suis aussi mari. Mais je travaille sur, vous savez, un certain nombre de spectacles. Récemment, j'ai fait toute une série de conférences à Shanghai, comme je l'ai mentionné. Je travaille sur une exposition de groupe à Pasadena à la fin de l'année, je participe à une exposition de groupe à l'ICA à Philadelphie. Je travaille sur un projet à l'Asian Arts Archive à New York. C'est vrai. Je suis artiste et résident là-bas et je m'intéresse vraiment à cette période de libéralisation sociale qui a suivi 1979 en Chine. Et l'engouement pour toutes sortes de livres occidentaux qui étaient - qui étaient interdits jusqu'à ce moment-là. Ils ont ensuite été rapidement traduits par des personnes qui n'étaient pas de bons traducteurs. Ainsi, beaucoup d'entre eux étaient comme, vous savez, leur dire Tabou par Freud a été écrit de la manière la plus hilarante, traduit de la manière la plus hilarante. Je suis donc très intéressé par une étude sur les erreurs de traduction. 

Neil Price: Oh, wow.

Ken Lum: Pas en termes de leur véracité par rapport à Freud ou à Foucault, mais je m'intéresse à ce que je peux tirer des erreurs de traduction. C'est donc un projet que j'ai. J'ai écrit un scénario. Je pense que j'en ai peut-être parlé avec vous la dernière fois. J'ai écrit deux scénarios, en fait un seul, qui est en cours de discussion avec la maison de production hollywoodienne. 

Neil Price: Wow. De quoi s'agit-il? 

Ken Lum: Oui. Nous verrons comment cela se passe, mais cela semble prometteur jusqu'à présent. L'histoire se déroule en 1868 et porte sur un train de chariots qui transporte du matériel minier et deux wagons de travailleurs chinois engagés pour travailler dans les champs de la ruée vers l'or de l'Idaho, à Idaho City (Idaho), en 1868. Il s'agit donc d'un voyage de neuf jours à bord de ce train et de toutes sortes de petites choses qui se produisent en cours de route. 

Neil Price: Ça a l'air génial.

Neil Price: J'aimerais vous poser une question qu'un ancien invité a posée. Cette question est la suivante: quel est le meilleur conseil que vous ayez jamais reçu et qui vous l'a donné? 

Ken Lum: J'aimerai bien le frapper! Le meilleur conseil… Je ne sais pas si c'est le meilleur conseil, mais c'est un conseil que j'ai pris à cœur et, à bien des égards, je pense que c'est un conseil très difficile. Parce qu'il est très difficile, sur le plan émotionnel, d'essayer de suivre ce conseil. Mais je pense que ma mère m'a toujours dit, je paraphrase, mais quelles que soient les difficultés que tu as rencontrées, et nous avons grandi dans des circonstances difficiles, souviens-toi toujours d'être généreux envers les autres, n'est-ce pas? Cela m'a marqué. Est-ce le meilleur conseil? Vous savez, si elle ne l'avait pas fait, si elle ne m'avait pas donné ce conseil et si ce conseil ne s'était pas ancré en moi, je pense que la vie aurait peut-être été un peu plus facile, mais c'est ce que c'est. C'est vrai. Donc, et je pense que cela m'a toujours permis de me rappeler ce qui est important pour moi pendant que je suis sur cette planète. C'est le meilleur conseil que j'ai jamais reçu. 

Neil Price: Et à votre tour, y a-t-il une question que vous aimeriez poser aux futurs invités de l'émission?

Ken Lum: Je pense que la question que j'aurais à poser est la suivante: c'est un peu cliché, mais je pense que c'est une question importante. Et ce n'est pas une question qui m'est venue à l'esprit, mais que beaucoup de gens posent, n'est-ce pas? Comment aimeriez-vous que l'on se souvienne de vous? 

Neil Price: Oui. Ken, merci beaucoup pour cet entretien. C'est toujours un plaisir de parler avec vous, et je vous souhaite bonne chance pour tous vos projets futurs. 

Ken Lum: Merci beaucoup, Neil.

Neil Price: In/Tension, présenté par la Power Plant Contemporary Art Gallery, est rendu possible grâce au soutien du Conseil des Arts du Canada. Nous remercions les divers artistes contemporains canadiens de nous en dire plus sur leur vie et leur travail. Cet épisode a été animé et créé par Neil Price en collaboration avec l'équipe de la galerie d'art contemporain Power Plant, Beverly Cheng, Daria Sposobna et Zachary Scola-Allison. Cette émission a été produite par l'équipe d'Edit Audio. Cet épisode a été édité, mixé et masterisé par Ali Sirois. Notre productrice exécutive est Steph Colbourn, et notre directrice de production est Kathleen Speckert. La musique de l'émission est signée NoKliche et Mopao Mumu.